La Licorne se repose dans un jardin

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La vraie histoire fantastique des licornes

Les licornes sont des créatures magiques qui apparaissent dans à peu près tous les romans fantastiques et plusieurs contes de fées de l'histoire enregistrée. Ces histoires sont même apparues partout dans le monde. Selon la légende, les licornes ne pouvaient être apprivoisées que par une jeune fille au cœur pur. Leurs cornes avaient la capacité de purifier les liquides et, dans certaines légendes, leurs cornes pouvaient guérir les blessures. Cette légende a suffi à inspirer les gens à chasser cette créature insaisissable pendant des siècles. Même des membres de la royauté bien éduqués ont acheté ce qu'ils croyaient être des cornes de licorne, et les scientifiques ont traité la possibilité de leur existence très au sérieux dans le passé. Mais cet animal a-t-il jamais vraiment existé ? A-t-il été chassé de l'existence comme l'oiseau Dodo, ou était-ce vraiment le fruit de l'imagination de quelqu'un ?

D'une tapisserie intitulée &ldquoLa Dame et la Licorne&rdquo. Crédit : Wikimedia Commons.


Ce que nous ne voyons pas

Comme il est approprié qu'une exposition muséale consacrée à la licorne - un animal mythique dont le nom signifie quelque chose de si rare et insaisissable qu'il puisse exister ou non - n'ait pas pu se matérialiser. "A Blessing of Unicorns" devait réunir les tapisseries de licornes du XVe siècle du musée de Cluny à Paris avec leurs homologues des cloîtres du Metropolitan Museum of Art de New York, dans le cadre d'une célébration en l'honneur des cent-cent- et-cinquantième anniversaire. Prévu pour 2020, le spectacle a été annulé en raison de la COVID-19 pandémie. Une exposition d'art médiéval a été victime de la peste, le plus médiéval des dangers.

Le bulletin été 2020 magnifiquement illustré du Met, Une bénédiction des licornes : les tapisseries de Paris et du cloître, non seulement nous montre ce que nous avons manqué, mais peut nous faire repenser notre vision des licornes - un sujet qui, pour être honnête, ne m'avait pas traversé l'esprit depuis des années. Je pensais beaucoup aux licornes. En fait j'ai vécu avec un, on pourrait dire : une reproduction de La Licorne se repose dans un jardin accroché dans ma chambre d'enfant. J'avais l'habitude de regarder les champs sombres si abondamment couverts de fleurs incroyablement parfaites, et la licorne dans son petit enclos rond, si doux, si mélancolique, si solitaire - si comme l'esprit d'une préadolescente infusé dans le corps d'un blanc cheval avec une seule corne de tire-bouchon.

Cela a été un choc de le revoir, alors que je parcourais le mini-catalogue Met et lisais l'essai informatif lucide de Barbara Drake Boehm, la conservatrice principale des Cloisters. Et en lisant, j'ai vu quelque chose dans l'image que je n'avais jamais vu auparavant. Comment aurais-je pu ne pas remarquer que la peau de la licorne est striée de sang, que de minces filets de pourpre ruissellent sur la chair lisse et blanche alors qu'elle repose si patiemment dans son enclos circulaire ? Certains chercheurs ont soutenu que les stries rouges sont du jus de grenade, symbole de fertilité, mais cela me semble être du sang, et il semble peu probable que le chien mordille le dos de la licorne dans La Licorne se rend à une jeune fille bave du nectar de fruits rouges.

Qu'aurais-je pensé, enfant, si j'avais su que cette créature délicate et gracieuse était un animal à chasser, comme l'un des trophées de safari d'espèces menacées si fièrement arborés par Don Junior et Eric Trump ? Et qu'aurais-je conclu si l'on m'avait dit que ce massacre ne pouvait être accompli sans l'aide volontaire d'une vierge agréable ?

Apparemment, la licorne était non seulement rapide mais forte, capable de tuer un éléphant avec sa corne. Les chasseurs ne pouvaient pas s'en approcher seuls. C'est pourquoi tu avais besoin de la vierge. La licorne aimait poser sa tête sur les genoux d'une vierge et, pendant qu'elle était distraite, les chasseurs se rapprochaient. La vierge était un appât. Au cas où les implications nous échapperaient et que nous manquions les ramifications - la préciosité de la pureté féminine et la contamination relative de la sexualité féminine - voici Richard de Fournival, le chancelier de la cathédrale d'Amiens au XIIIe siècle et auteur de Le bestiaire de l'amour:

J'ai été capturé aussi par l'odorat… comme la Licorne qui s'endort dans la douce odeur de la jeune fille… personne n'ose l'attaquer ou l'embusquer sauf une jeune vierge. Car lorsque la licorne sent une vierge à son odeur, elle s'agenouille devant elle et s'humilie doucement pour lui rendre service. Par conséquent, les chasseurs intelligents qui connaissent sa nature placent une jeune fille sur son chemin, et elle s'endort sur ses genoux. Et puis, quand il dort, les chasseurs, qui n'ont pas le courage de le poursuivre en étant éveillé, sortent et le tuent.

Quand j'ai regardé la photo, en tant que fille, étais-je en train d'être programmée de manière subliminale pour un avenir dans lequel je devrais choisir entre l'amie licorne et une vie sexuelle ? Et si on faisait semblant d'être vierges ? La licorne le sentirait. Et si nous étions vierges, qu'y aurait-il pour nous à livrer la belle bête à ses assassins ? Au lycée, mes amis et moi avions commencé à voir la virginité comme un fardeau dont nous étions impatients de nous débarrasser. Nous étions trop innocents pour comprendre à quel point la jeunesse – son énergie et son esprit – était dommage à perdre. Et certainement j'étais trop jeune pour considérer à quel point le culte de la vierge - la fétichisation de la virginité - était une mauvaise chose pour les femmes, grevée de châtiments imposés par les hommes, destinés non pas à la protection des filles mais avant tout comme une garantie sur le produit qui on achetait, vendait ou troquait en mariage.

On a beaucoup parlé de la licorne comme symbole du Christ, une lecture de ces images qu'un ami médiéviste soutient en raison de la prédestination, dit-elle, l'illogisme alambiqué de la Vierge étant complice du meurtre de son fils est hors de propos. Les blessures de la licorne sont les blessures de Jésus. Boehm est moins convaincu et soutient que l'interprétation religieuse symbolique a été poussée à l'extrême. Mais que la licorne représente (ou rappelle) Jésus ou non, que son sang soit le sang du Christ, nul doute que les chasseurs des tapisseries de Cluny - grossiers, rapaces, brutaux, méchants - sont des sorciers pour les voyous moqueurs Le Christ dans les peintures de Bosch et Grunewald.

Bien que je ne puisse m'empêcher de pleurer mon innocence perdue, mon amour préadolescent pour les licornes défloré, j'étais reconnaissant pour les délicieux faits sur les licornes que Boehm fournit : La mystique et compositrice du XIIe siècle Hildegard von Bingen croyait que l'on pouvait guérir la lèpre en écrasant une licorne foie avec un jaune d'oeuf. Cesare Borgia s'est déguisé en licorne pour son mariage en 1498. Jules César a écrit que les licornes vivaient dans les forêts d'Allemagne, tandis que plus tard des pèlerins allemands ont repéré une licorne à proximité du mont Sinaï.

Tissées vers 1500, chacune des tapisseries de Cluny représente l'un des sens (goût, odorat, vue, etc.) fleurs. Il est étonnant que ces œuvres d'art représentatives énormes et très détaillées aient été tissées, bien que mon étonnement ait été quelque peu atténué de ne pas les voir en personne.

Les tapisseries du Cloître sont non seulement plus tardives (datant du début du XVIe siècle environ) mais beaucoup plus dynamiques, réalistes et sanglantes.

Les chasseurs entrent dans les bois, de la chasse aux tapisseries de licorne, 1495-1505.

Le nom de la série, "The Unicorn Hunt", est une indication instantanée : ce n'est pas Mon petit Poney. Et pourtant, dans le premier de la série, Les chasseurs entrent dans les bois, les choses semblent assez aimables. Les chiens ne semblent pas si assoiffés de sang que deux d'entre eux regardent en arrière plutôt qu'en avant. Les hommes portent de drôles de chapeaux, certains avec de gros panaches, et peut-être que ces lances ne sont que des accessoires que les hommes du XIIIe siècle emportaient lors de promenades dans les bois. Bâtons de marche avec des pointes.

La Licorne se rend à la jeune fille, de la chasse aux tapisseries de la Licorne, 1495-1505.

Une foule s'est rassemblée dans La licorne purifie l'eau, et c'est tout Royaume très paisible, la licorne est entourée d'une meute de bêtes réelles et mythiques, troublantes mais non menaçantes. La Licorne se rend à la jeune fille ne présente que deux humains - la vierge (vraisemblable) et un chasseur espionnant depuis les arbres et soufflant dans sa corne, signalant les autres. Mais maintenant, les chiens sont excités. L'un d'eux est soit en train de fouiner, soit de mordre la licorne, qui reste calme, bien que maintenant deux jets de sang coulent dans son dos. Le sang est aussi joli – aussi esthétique – que tout le reste.

La licorne se défend, de la chasse aux tapisseries de licorne, 1495-1505.

Ce n'est pas avant La Licorne se défend que les lances sont levées. Les chiens sont devenus plus méchants, peut-être parce que l'un d'eux a été encorné par la licorne, dont le sang a commencé à couler.

Les chasseurs retournent au château, de la chasse aux tapisseries de licorne, 1495-1505.

Les chasseurs retournent au château est l'une de ces images médiévales/Renaissance qui fonctionnent comme un film, nous montrant des scènes que nous pouvons suivre, séquentiellement, d'un côté de l'image à l'autre. En haut à gauche, la licorne est à l'agonie, profondément transpercée par trois lances et assaillie par les chiens. Et au premier plan inférieur, la licorne morte - ressemblant plus à une chèvre abattue qu'à une créature magique, sa carcasse dégonflée en bandoulière sur le dos d'un beau cheval brun - a été soumise à l'approbation du seigneur et de la dame royaux et de leurs courtisans.

Quand j'étais au lycée, souvent, par beau temps, mes amis et moi avons pris le bus de la Cinquième Avenue jusqu'au bout de la ligne, Fort Tryon Park. Nous passions des après-midi entiers au Cloître. C'était nos vacances en Europe, notre voyage dans le temps à bas prix. Je ne sais pas combien de temps j'ai passé devant les tapisseries des licornes, mais je sais que, pendant toutes ces heures, il ne m'est jamais venu à l'esprit que je regardais un carnage.

Peut-être que la cruauté et l'esprit sanglant de cette année ont mis le carnage en évidence. C'est énervant, voire embarrassant, mais j'aime toujours (ou presque toujours) avoir les yeux ouverts sur quelque chose que je n'ai pas remarqué, même si c'était juste devant moi depuis le début. Ce n'était pas comme si je n'avais jamais pensé à quel point notre société a été empoisonnée et déformée par le racisme et l'inégalité des revenus. Mais les événements de cet été, les manifestations de Black Lives Matter et les statistiques horribles qui révèlent à quel point les pauvres et les personnes de couleur ont souffert de la pandémie ont rendu impossible de ne pas voir le sang. J'avais l'habitude de dire que notre démocratie était une institution fragile, que ce qui s'est passé pour transformer d'autres démocraties en dictatures pouvait facilement arriver ici. Mais je ne pense pas y avoir vraiment cru jusqu'à récemment.

Aussi surprenante ou douloureuse que puisse être la vérité, voir ce que nous n'avons pas remarqué ressemble à une formation continue, une leçon, voire un cadeau. Comme tant d'histoires que je pensais connaître, comme tant d'histoires que nous nous racontons et que l'on nous raconte, l'histoire de la licorne n'est pas ce que je pensais. La beauté de ces tapisseries est passionnante, même en reproduction, mais elles soulèvent la question de la facilité avec laquelle nous pouvons ignorer l'évidence, si nous ne regardons pas de près.

Francine Prose est l'auteur de dix-neuf romans, huit ouvrages de non-fiction, trois recueils de nouvelles et un livre pour enfants. Son roman le plus récent est Monsieur Singe.

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L'histoire secrète des mauvaises herbes

Qu'est-ce qu'une mauvaise herbe ? » demanda Ralph Waldo Emerson à la foule qui s'était rassemblée pour l'entendre parler à la Old South Church de Boston le 30 mars 1878. Sa réponse : une plante pas encore utile. Il y avait quelque 200 000 mauvaises herbes, a-t-il noté dans sa conférence « La fortune de la République », ajoutant : « Le temps apportera encore un inventeur à chaque plante. Il n'y a pas de propriété dans la Nature, mais un esprit est né pour la chercher et la trouver […] L'applicabilité infinie de ces choses entre les mains de l'homme pensant, chaque nouvelle application étant équivalente à un nouveau matériau. » Il faisait référence au capitalisme et contrôler et dominer la terre. Son histoire est celle d'un homme, d'un homme blanc, d'un « homme qui pense ».

Mes mauvaises herbes ne sont pas celles d'Emerson. Ceux que je vois contiennent des histoires de mondialisation et de migrations massives. La plupart des mauvaises herbes aux États-Unis sont ici parce que quelqu'un a déjà pensé qu'elles étaient utiles. Le langage qui les entoure aujourd'hui est problématique : « natif », « invasif », « étranger » – comme s'il s'agissait d'un microcosme de notre politique. Je regarde ma pelouse rabougrie et ce n'est que de la mauvaise herbe. Il y a de la camomille et de la marguerite, qui a été qualifiée de « dangereuse plante ornementale » par le National Park Service et qui a le goût de la roquette dans l'achillée millefeuille qu'Achille portait pour panser les blessures de ses troupes, la prunelle, connue sous le nom d'« auto-guérison » ou « guérir tout ' pour ses propriétés médicinales le trèfle rouge qui peut être utilisé comme aliment pour animaux ou pour modérer les hormones féminines. Il y a des quais et du plantain.

Deborah Pierce Bonnell, Dentelle de la Reine Anne, 2014. Avec l'aimable autorisation de l'artiste

Ces plantes et leurs histoires ne sont pas simples. Ils étaient souvent amenés par des colonisateurs blancs. Le plantain est aussi appelé « pied de l'homme blanc » car il voyageait partout où les blancs allaient. Ses jeunes feuilles font des salades vertes riches en nutriments et en pommade - même mâchées dans de la salive - fonctionnent comme un grand guérisseur de coupures.

D'autres mauvaises herbes détiennent des secrets de résistance. La dentelle de la reine Anne, avec ses têtes blanches flottantes, est une carotte sauvage. La racine est comestible, mais ses graines sont une autre histoire – ou plutôt, elles sont mon histoire. Ils sont un inhibiteur de la progestérone et peuvent agir comme la pilule du lendemain ou, pris quotidiennement, comme la pilule contraceptive. Les longues frondes de l'armoise font signe aux voitures qui passent devant elle sur le bord des routes. Ses feuilles, au revers argenté, sentent le pin et la sauge. Ils sont une puissante source de thuyone, un composé naturel aux qualités psychotropes. Selon la rumeur, la raison pour laquelle les sorcières volent, la plante suscite des rêves vifs et rapides. Il module également les hormones féminines et peut provoquer un avortement. Ses racines sont un rhizome qui s'étend de façon exponentielle. En le voyant à Brooklyn le long du canal pollué de Gowanus, je pense aux femmes qui ont dû l'apporter ici avec elles et imaginent leurs besoins, leurs peurs et leurs rêves.

L'armoise, avec son nom à consonance boueuse (« moût » signifie racine), est le début du « charme des neuf herbes ». Publié dans le Lacnunga, un livre de remèdes à base de plantes de la fin du Xe ou du début du XIe siècle, le sort invoque la plante comme si elle était vivante et présente :

tu es puissant contre le poison

Tu es puissant contre le mal

qui traverse le pays

La Licorne se repose dans un jardin, de « Tapisseries Licorne », 1495-1505. Avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art, New York

Après avoir lu le charme, l'armoise - la "première" et "la plus ancienne" - est devenue pour moi un signe de rébellion. Donald Trump était alors président et contestait les droits reproductifs des femmes. Je voulais cette plante partout, le long des routes et dans les clôtures anticycloniques, dans les parkings et les sols pauvres. Alors que je courais dans Prospect Park le matin, je le saluais. Je vois ses frondes en été et pense aux histoires perdues des femmes. La première fois que je l'ai pris, en 2018, j'ai suivi les instructions qu'un jardinier du musée Met Cloisters à Manhattan avait données à l'artiste Marlene McCarty. j'avais des rêves de
emballant le sac à dos rouge d'un enfant arborant des personnages de dessins animés et fuyant lors d'une migration forcée - une vision appropriée, semble-t-il, avec le recul.

Lorsque le charme s'est engagé dans l'écriture, ce fut l'un des derniers réfractaires au christianisme. Quatre siècles plus tard, un grand nombre de femmes seraient persécutées en tant que sorcières pour leur connaissance des plantes et, à mesure que l'agriculture se développait en monocultures - avec des cultures disposées en rangées et en lignes comme une perspective à point unique - la terre elle-même est devenue la richesse et l'héritage des hommes. Puis vinrent la colonisation, le capitalisme, l'esclavage et le dépouillement du pouvoir des femmes sur leur vie et leur corps. La médecine est aussi devenue le domaine de l'homme. Aux États-Unis, les colons blancs - avec la sanction du gouvernement - ont volé des terres et tué des Amérindiens parce qu'ils voulaient toujours plus de territoire pour planter leurs vagues de céréales et de coton.

Emerson a prononcé son discours au début de la longue dépression (1873-1896), et il abordait l'économie du coton et la guerre civile dans un argument que je ne comprends pas entièrement. Cette dépression a déclenché un contre-récit de l'agriculture et du capitalisme. L'année où Emerson a parlé, les métayers noirs et blancs qui cultivaient du coton dans le Sud s'alignaient - ce n'est pas l'histoire que nous entendons souvent de l'ère post-Reconstruction - et leur pouvoir commun a terrifié les suprémacistes blancs. Ces agriculteurs étaient bafoués par le capitalisme, par les commerçants, les banques et les courtiers en coton. Formant l'Alliance des fermiers en 1877, ils ont élevé la conscience de classe au-delà des lignes raciales. Le groupe s'est battu pour les syndicats, les coopératives et les réformes socialistes des banques et des chemins de fer. Le coton lui-même a également été un outil de résistance : les femmes esclaves ont apporté leur connaissance de la plante d'Afrique où elle pousse également. Coton, ou gossypium comme le genre s'appelle, a des propriétés abortives et, j'ai lu, peut supprimer les spermatozoïdes.

Illustration de B.D. Basu et K.R. Kritkar, Plantes médicinales indiennes, vol. 3, 1918. Avec la permission du Smithsonian Institute, Washington, D.C.

En lisant le ‘Nine Herbs Charm’, je pense aux ‘Licorn Tapestries’ (1495-1505). Une de mes étudiantes diplômées, Kate Brock, écrit à leur sujet et souligne la technique des millefleurs, avec des fleurs parsemées de partout, devenant le sol, l'air, l'éther. Il n'y a rien entre les plantes et nous. Ces tapisseries ont été réalisées environ 500 ans après l'enregistrement du "Nine Herbs Charm", mais la technique qu'elles emploient date de l'époque gothique. Ces plantes et ces fleurs imprègnent tout ce que les figures humaines se tiennent au milieu d'elles comme si elles faisaient partie du feuillage. Dans les tapisseries ultérieures, note Kate, les fleurs sont réduites et apprivoisées. Ils deviennent une ligne sous les pieds des chasseurs de licornes. Les plantes et le sol sont maintenant sous notre domaine.

Qu'est-ce qu'une mauvaise herbe ? Le mien est une économie des lieux incultes, en fouillant à travers les fissures dans les trottoirs des décharges toxiques, les parkings et les bords des autoroutes, où ils peuvent aider à assainir les sols. Les États-Unis dépensent 20,5 milliards de dollars par an en pesticides pour les monocultures afin de faire pousser des cultures, épandant 23 millions de tonnes d'engrais sur des variétés à haut rendement de maïs, de soja et de blé. La plupart des engrais sont à base d'azote et nécessitent la production de méthane. Le méthane est le principal moteur du changement climatique.

Mes mauvaises herbes s'y opposent. Ils poussent hors des rangs, hors des lignes, affirmant d'autres récits. Ces plantes devenues inutiles, que l'agriculture capitaliste se propose de détruire, peuvent aider à reconquérir ces paysages perdus. Les quais sont riches en fer, l'achillée millefeuille est anti-inflammatoire et antiseptique. Le plantain peut phytoremédier certains insecticides. La litanie des propriétés bénéfiques de l'auto-guérison comprend les propriétés anti-âge, anti-cancer et anti-inflammatoire. En été, je cueille et mange ses fleurs violettes en marchant dans l'herbe qui n'est pas de l'herbe, mais une mauvaise herbe, et qui raconte des histoires de ma propre résistance.

Cet article est paru pour la première fois dans frise numéro 218 avec le titre ‘Dans les mauvaises herbes'.

Image principale : La Licorne traverse un ruisseau, de « Tapisseries Licorne », 1495-1505. Avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art, New York


Rejoignez des experts pour une exploration virtuelle interdisciplinaire des célèbres tapisseries de licorne de The Met Cloisters. Découvrez l'art et l'innovation derrière les tapisseries et considérez la relation complexe et durable entre l'humanité et la nature. Le programme comprend des liens pratiques pour l'enseignement et l'apprentissage avec les sciences, la technologie, l'ingénierie, l'art et les mathématiques (STEAM). Pour les éducateurs de toutes disciplines et de tous niveaux.

Remarque : cet événement en direct a lieu sur Zoom. Les places sont limitées, une inscription préalable est requise. Clôture des inscriptions le 21 mai 2021, 17 h (HE), ou lorsque l'inscription est complète.

Le sous-titrage généré automatiquement est disponible.

Image : La Licorne se repose dans un jardin (des Tapisseries de la Licorne) (détail), 1495-1505. Fabriqué à Paris, France (dessin animé) Fabriqué dans le sud des Pays-Bas (tissé), chaîne de laine avec des trames de laine, de soie, d'argent et de dorure, Total : 144 7/8 x 99 in. (368 x 251,5 cm). Le Metropolitan Museum of Art, New York, don de John D. Rockefeller Jr., 1937 (37.80.6)


De quoi est faite la corne d'une licorne ?

La série Cambridge Animal Alphabet célèbre les liens de Cambridge avec les animaux à travers la littérature, l'art, la science et la société. Ici, U est pour Licorne. Bien qu'ils soient notoirement difficiles à attraper, ils figurent sur des plaques de majolique, dans l'héraldique du XVe siècle et dans les premières recettes d'anti-poison.

La recette du XVIIe siècle pour un antipoison, la « poudre de rampe », appelait la corne de licorne, les « bézoards de l'est » et les « os » de cœur de cerf

Faites défiler jusqu'à la fin de l'article pour écouter le podcast.

À première vue, il peut s'agir d'un cheval à la crinière ondulée et à la queue agitée, mais vous remarquerez ensuite la longue corne tordue qui dépasse de son front. En regardant de plus près ce magnifique animal, vous voyez que ses pieds sont très différents des sabots des chevaux, fendus en doigts presque comme des pieds humains.

Personne ne sait exactement à quoi ressemble une licorne mais l'artiste qui a décoré cette assiette en majolique (collection du Fitzwilliam Museum : acc. n° C.86-1927) a imaginé une créature à grande échelle. Le jeune cavalier, qui est assis à califourchon sur un tissu richement brodé, est éclipsé par la taille impressionnante de son cheval cabré.

La plaque faisait à l'origine partie d'une série, réalisée en Italie au début du XVIe siècle, représentant l'entrée triomphale de César à Rome après la fin de la seconde guerre punique. La scène est tirée d'un ensemble de gravures sur bois et la lettre H marque sa place dans le récit. Les assiettes auraient été produites par un atelier de Cafaggiolo, non loin de Florence.

Le design audacieux est la preuve que les licornes n'ont pas toujours été les créatures timides et douces que les bestiaires médiévaux et la littérature pour enfants du 20e siècle voudraient nous faire croire. En fait, ils étaient un ajout féroce aux rangs des bêtes mythiques dans les textes classiques. Pline l'Ancien a décrit la licorne ainsi :

« ... un animal très féroce appelé le monoceros qui a la tête du cerf, les pieds de l'éléphant et la queue du sanglier, tandis que le reste du corps est comme celui du cheval, il fait un bruit sourd, et a une seule corne noire, qui dépasse du milieu de son front.

A partir de ces débuts chimériques, la licorne a pris diverses directions en termes d'apparence et de symbolisme. Il est devenu un emblème du Christ au Moyen Âge et a souvent été utilisé en héraldique à partir du XVe siècle. Le lion et la licorne sont les symboles du Royaume-Uni avec le lion représentant l'Angleterre et la licorne l'Écosse.

La collection du Fitzwilliam Museum regorge de licornes. Certains des plus séduisants apparaissent dans les « livres d'heures » et les « bestiaires ». Le chercheur indépendant, Robert Lloyd Parry, n'a enquêté que sur quelques-uns d'entre eux dans le cadre d'une recherche sur une exploration des signes et des symboles dans l'art pour le site Web de Fitzwilliam.

Un livre d'heures flamand, datant de 1526, montre l'Annonciation. Marie est assise dans un jardin clos (symbolique de sa virginité) et une licorne blanche pose sa corne sur ses genoux. Dieu le Père sort d'un buisson ardent derrière elle et, au-delà du jardin, Gabriel souffle dans un cor de chasse.

Un manuscrit enluminé du XVe siècle – une traduction française d'une encyclopédie du XIIIe siècle – représente une licorne dans le jardin d'Eden avant la chute de l'homme. Lloyd Parry écrit : « Dieu le Père tient la main droite d'Adam et Eve sous les yeux des anges et des animaux. Un ruisseau sort du sol aux pieds de Dieu. La corne de la licorne pointe vers ses eaux claires - une référence peut-être à ses capacités légendaires à purifier l'eau.

Une créature magique est susceptible d'avoir des pouvoirs magiques : la corne de licorne est associée à la pureté. Natalie Lawrence, doctorante au département d'histoire et de philosophie des sciences de Cambridge, fait des recherches sur les premières rencontres avec des créatures exotiques, y compris les opportunités qu'elles offraient aux commerçants et aux apothicaires.

Les travaux de Lawrence offrent de nouvelles perspectives sur la manière dont les pouvoirs protecteurs et curatifs ont été attribués aux substances naturelles, à une époque où la peur de l'empoisonnement était généralisée. La recette du XVIIe siècle pour un anti-poison, la « poudre de rampe », comportait de la corne de licorne, des « bézoards de l'est » et des « os » de cœur de cerf. Les membres de la noblesse ont acheté de la vaisselle et des tasses avec des bases en « corne de licorne » pour éviter d'être empoisonnés, et la chaise du trône du Danemark (construite de 1662 à 1671) est même en « corne de licorne ».

La « corne de licorne » médicinale en poudre était généralement de l'ivoire de morse, de la corne de rhinocéros ou de la défense de narval, parfois appelée « licorne de mer ». Le problème de la distinction de la « vraie corne » a été commenté par le médecin français, Pierre Martin La Martinière (1634-1690), qui a décrit la difficulté de savoir « quelle Créature la bonne Licorne… il y a plusieurs Animaux que les Grecs appellent Monoceros, et le Latines Uni-Cornis', d'une variété de quadrupèdes et de 'serpents' terrestres, à 'l'éléphant de mer' (morse).

Des matériaux tels que l'ivoire de morse, lorsqu'ils sont identifiés comme tels, pourraient posséder des qualités similaires à la corne de licorne. Un apothicaire, un 'M. Alexander Woodson de Bristoll', 'un habile Phisition', avait 'une de ces dents de bêtes, qu''il avait essayées' en 'administrant la médecine à ses patients, et l'avait trouvée comme souveraine contre poyson comme toutes les licornes horne'.

Les liens implicites entre les licornes et ces autres bêtes n'ont pas diminué les pouvoirs médicaux perçus des cornes. L'érudit danois Ole Worm (1588-1655) a démystifié l'existence de la licorne terrestre lors d'une conférence publique utilisant le crâne d'un narval, mais il a quand même attesté de la puissance médicale de la corne. Worm a décrit des expériences où des animaux empoisonnés avaient été réanimés par l'administration de corne de «licorne de mer» en poudre.

Au début du XVIIIe siècle, les « cornes de licorne » étaient beaucoup moins prisées dans les collections, perdant une partie de leur statut de « raretés », alors que l'importation en grand volume en Europe inondait le marché. Mais l'attrait de la licorne elle-même, en particulier des incarnations telles que la créature flottante et mercurielle de CS Lewis Narnia livres, n'a jamais faibli.

C'est peut-être parce que, surtout, ils ont toujours été extrêmement difficiles à attraper.

Suivant dans le Cambridge Animal Alphabet: V est pour un animal qui est responsable de jusqu'à 94 000 décès par an, mais est également utilisé pour aider à développer des traitements pour des maladies telles que l'hémophilie, la thrombose veineuse profonde, l'embolie pulmonaire, la crise cardiaque et l'accident vasculaire cérébral.

Avez-vous manqué la série jusqu'à présent? Rattrapage sur Medium ici.

Images en médaillon : Détail des Salutations de la Vierge, du livre d'heures Carew-Poyntz (musée Fitzwilliam) Johnstone Illustration d'un crâne de narval du livre d'Ole Worm.

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Formation Modifier

La base de la structure architecturale du musée est venue de la collection de George Gray Barnard, un sculpteur et collectionneur américain qui a presque à lui seul créé un musée d'art médiéval près de chez lui dans la section Fort Washington de l'Upper Manhattan. Bien qu'il soit un sculpteur à succès qui a étudié à l'Art Institute of Chicago, ses revenus ne suffisent pas à subvenir aux besoins de sa famille. Barnard prenait des risques et a passé la majeure partie de sa vie au bord de la pauvreté. [6] Il a déménagé à Paris en 1883 où il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts. [6] Il a vécu dans le village de Moret-sur-Loing, près de Fontainebleau, entre 1905 et 1913, [7] et a commencé à s'occuper d'objets européens des XIIIe et XIVe siècles pour compléter ses revenus. Dans la foulée, il a constitué une importante collection personnelle de ce qu'il a qualifié d'« antiquités », d'abord en achetant et en vendant des objets isolés auprès de marchands français, [8] puis par l'acquisition de in situ artefacts architecturaux des agriculteurs locaux. [6]

Barnard s'intéressait principalement aux abbayes et églises fondées par les ordres monastiques à partir du XIIe siècle. Après des siècles de pillage et de destruction pendant les guerres et les révolutions, les pierres de nombre de ces bâtiments ont été réutilisées par les populations locales. [6] Un pionnier en voyant la valeur dans de tels objets façonnés, Barnard a rencontré souvent l'hostilité à son effort des groupes locaux et gouvernementaux. [7] Pourtant, il était un négociateur astucieux qui avait l'avantage d'un œil de sculpteur professionnel pour la sculpture sur pierre supérieure et en 1907 il avait construit une collection de haute qualité à un coût relativement bas. Il aurait payé 25 000 $ pour les bâtiments de Trie, 25 000 $ pour le Bonnefort et 100 000 $ pour les cloîtres de Cuxa. [9] Son succès l'a amené à adopter une vision quelque peu romantique de lui-même. Il s'est souvenu d'avoir parcouru à vélo la campagne française et d'avoir déterré des chefs-d'œuvre gothiques tombés et oubliés depuis longtemps. Il a affirmé avoir trouvé l'effigie de la tombe de Jean d'Alluye face cachée, utilisée comme pont au-dessus d'un petit ruisseau. [8] En 1914, il avait rassemblé suffisamment d'artefacts pour ouvrir une galerie à Manhattan. [dix]

Barnard négligeait souvent ses finances personnelles [9] et était si désorganisé qu'il égarait souvent l'origine ou la provenance de ses achats. Il a vendu sa collection à John D. Rockefeller Jr. en 1925 lors d'une de ses crises monétaires récurrentes. [11] Les deux avaient été introduits par l'architecte William W. Bosworth. [12] Acheté pour le Metropolitan Museum of Art, l'acquisition comprenait des structures qui deviendraient la fondation et le noyau du musée. [6] [7] Rockefeller et Barnard étaient des opposés polaires tant dans le tempérament que dans les perspectives et ne s'entendaient pas Rockefeller était réservé, Barnard exubérant. Le peintre et critique d'art anglais Roger Fry est alors le principal agent d'acquisition européen du Metropolitan et sert d'intermédiaire. [13] Rockefeller a finalement acquis la collection de Barnard pour environ 700 000 $, en retenant Barnard comme conseiller. [14]

En 1927, Rockefeller a engagé Frederick Law Olmsted Jr., fils de l'un des concepteurs de Central Park, et la firme Olmsted Brothers pour créer un parc dans la région de Fort Washington. [15] En février 1930, Rockefeller a proposé de construire les Cloîtres pour le Métropolitain. [16] En consultation avec Bosworth, [7] il a décidé de construire le musée sur un site de 66,5 acres (26,9 ha) à Fort Tryon Park, qu'ils ont choisi pour son élévation, ses vues et son emplacement accessible mais isolé. [10] Le terrain et les bâtiments existants ont été achetés cette année-là à la succession C. K. G. Billings et à d'autres avoirs dans la région de Fort Washington. Le bâtiment Cloisters et les jardins adjacents de 1,6 ha ont été conçus par Charles Collens. [17] Ils incorporent des éléments d'abbayes de Catalogne et de France. Des pièces de Sant Miquel de Cuixà, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-en-Comminges, Trie-sur-Baïse et Froville ont été démontées pierre par pierre et expédiées à New York, où elles ont été reconstruites et intégrées dans un ensemble cohérent. Construction took place over a five-year period from 1934. [18] Rockefeller bought several hundred acres of the New Jersey Palisades, which he donated to the State in an effort to preserve the view from the museum. [19] The Cloisters' new building and gardens were officially opened on May 10, 1938, [20] though the public was not allowed to visit until four days later. [21]

Early acquisitions Edit

Rockefeller financed the purchase of many of the early collection of works, often buying independently and then donating the items to the museum. [5] His financing of the museum has led to it being described as "perhaps the supreme example of curatorial genius working in exquisite harmony with vast wealth". [6] The second major donor was the industrialist J. P. Morgan, founder of the Morgan Library & Museum in New York, who spent the last 20 years of his life acquiring artworks, "on an imperial scale" according to art historian Jean Strous, [22] spending some $900 million (inflation adjusted) in total. After his death, his son J. P. Morgan Jr. donated a large number of works from the collection to the Metropolitan. [23]

A further major early source of objects was the art dealer Joseph Brummer (1883–1947), long a friend of a curator at the Cloisters, James Rorimer. Rorimer had long recognized the importance of Brummer's collection, and purchased large quantities of objects in the months after Brummer's sudden death in 1947. According to Christine E. Brennan of the Metropolitan, Rorimer realized that the collection offered works that could rival the Morgan Collection in the Metropolitan's Main Building, and that "the decision to form a treasury at The Cloisters was reached. because it had been the only opportunity since the late 1920s to enrich the collection with so many liturgical and secular objects of such high quality." [24] These pieces, including works in gold, silver, and ivory, are today held in the Treasury room of the Cloisters. [24]

The museum's collection of artworks consists of approximately five thousand individual pieces. They are displayed across a series of rooms and spaces, mostly separate from those dedicated to the installed architectural artifacts. The Cloisters has never focused on building a collection of masterpieces, rather the objects are chosen thematically yet arranged simply to enhance the atmosphere created by the architectural elements in the particular setting or room in which they are placed. [5] To create the atmosphere of a functioning series of cloisters, many of the individual works, including capitals, doorways, stained glass, and windows are placed within the architectural elements themselves. [25]

Panel paintings and sculpture Edit

The museum's best-known panel painting is Robert Campin's c. 1425–28 Mérode Altarpiece, a foundational work in the development of Early Netherlandish painting, [26] which has been at The Cloisters since 1956. Its acquisition was funded by Rockefeller and described at the time as a "major event for the history of collecting in the United States". [27] The triptych is well preserved with little overpainting, glossing, dirt layers or paint loss. [28] Other panel paintings in the collection include a Nativity triptych altarpiece attributed to a follower of Rogier van der Weyden, [29] and the Jumieges panels by an unknown French master. [30]

The 12th-century English walrus ivory Cloisters Cross contains over ninety-two intricately carved figures and ninety-eight inscriptions. A similar 12th-century French metalwork reliquary cross contains six sequences of engravings on either side of its shaft, and across the four sides of its lower arms. [31] Further pieces of note include a 13th-century, English Enthroned Virgin and Child statuette, [32] a c. 1490 German statue of Saint Barbara, [33] and an early 16th-century boxwood Miniature Altarpiece with the Crucifixion. [34] Other significant works include fountains and baptismal fonts, chairs, [35] aquamaniles (water containers in animal or human form), bronze lavers, alms boxes and playing cards. [36]

The museum has an extensive collection of medieval European frescoes, ivory statuettes, reliquary wood and metal shrines and crosses, as well as examples of the very rare Gothic boxwood miniatures. [37] It has liturgical metalwork vessels and rare pieces of Gothic furniture and metalwork. [38] Many pieces are not associated with a particular architectural setting, so their placement in the museum may vary. [39] Some of the objects have dramatic provenance, including those plundered from the estates of aristocrats during the French Revolutionary Army's occupation of the Southern Netherlands. [40] The Unicorn tapestries were for a period used by the French army to cover potatoes and keep them from freezing. [41] The set was purchased by Rockefeller in 1922 and six of the tapestries hung in his New York home until donated to the Metropolitan Museum of Art in 1938. [42]

Illuminated manuscripts Edit

The museum's collection of illuminated books is small, but of exceptional quality. J.P. Morgan was a major early donor, but although his taste leaned heavily towards rare printed and illuminated books, [43] he donated very few to the Metropolitan, instead preserving them at the Morgan Library. [23] At the same time, the consensus within the Met was that the Cloisters should focus on architectural elements, sculpture and decorative arts to enhance the environmental quality of the institution, whereas manuscripts were considered more suited to the Morgan Library in lower Manhattan. [44] The Cloisters' books are today displayed in the Treasury room, and include the French "Cloisters Apocalypse" (or "Book of Revelation", c. 1330, probably Normandy), [45] Jean Pucelle's "Hours of Jeanne d'Evreux" (c. 1324–28), the "Psalter of Bonne de Luxembourg", attributed to Jean Le Noir and the "Belles Heures du Duc de Berry" (c. 1399–1416) attributed to the Limbourg brothers. [46] In 2015 the Cloisters acquired a small Netherlandish Book of Hours illuminated by Simon Bening. [47] Each is of exceptional quality, and their acquisition was a significant achievement for the museum's early collectors. [44]

A coat of arms illustrated on one of the leaves of the "Cloisters Apocalypse" suggests it was commissioned by a member of the de Montigny family of Coutances, Normandy. [48] Stylistically it resembles other Norman illuminated books, as well as some designs on stained glass, of the period. [49] The book was in Switzerland by 1368, possibly at the abbey of Zofingen, in the canton of Aargau. It was acquired by the Met in 1968. [50]

The "Hours of Jeanne d'Evreux" is a very small early Gothic book of hours containing 209 folios, of which 25 are full-page miniatures. It is lavishly decorated in grisaille drawings, historiated initials and almost 700 border images. Jeanne d'Évreux was the third wife of Charles IV of France, and after their deaths the book went into the possession of Charles' brother, Jean, duc de Berry. The use of grisaille (shades of gray) drawings allowed the artist to give the figures a highly sculptural form, [51] and the miniatures contain structures typical of French Gothic architecture of the period. The book has been described as "the high point of Parisian court painting", and evidence of "the unprecedentedly refined artistic tastes of the time". [52]

The "Belles Heures" is widely regarded as one of the finest extant examples of manuscript illumination, and very few books of hours are as richly decorated. It is the only surviving complete book attributed to the Limbourg brothers. [53] Rockefeller purchased the book from Maurice de Rothschild in 1954, and donated it to the Metropolitan. [54]

The very small "Bonne de Luxembourg" manuscript (each leaf 12.5 × 8.4 × 3.9 cm) is attributed to Jean le Noir, and noted for its preoccupation with death. It was commissioned for Bonne de Luxembourg, Duchess of Normandy, daughter of John the Blind and the wife of John II of France, probably at the end of her husband's life, c. 1348–49. It was in a private collection for many years, and thus known only through poor-quality photographic reproductions until acquired by the museum in 1969. Produced in tempera, grisaille, ink, and gold leaf on vellum, it had been rarely studied and was until that point misattributed to Jean Pucelle. Following its acquisition, it was studied by art historians, after which attribution was given to Le Noir. [55]

Tapestries Edit

While examples of textile art are displayed throughout the museum, there are two dedicated rooms given to individual series of tapestries, the South Netherlandish Nine Heroes (c. 1385) [56] and FlemishThe Hunt of the Unicorn (c. 1500). [57] The Nine Heroes room is entered from the Cuxa cloisters. [56] Its 14th-century tapestries are one of the earliest surviving examples of tapestry, and are thought to be the original versions following widely influential and copied designs attributed to Nicolas Bataille. They were acquired over a period of twenty years, involving the purchase of more than 20 individual fragments which were then sewn together during a long reassembly process. The chivalric figures represent the scriptural and legendary Nine Worthies, who consist of three pagans (Hector, Alexander the Great and Julius Caesar), three Jews (Joshua, David and Judas Maccabeus) and three Christians (King Arthur, Charlemagne and Godfrey of Bouillon). Of these, five figures survive: Hector, Caesar, Joshua, David and Arthur. [58] They have been described as representing "in their variety, the highest level of a rich and powerful social structure of later fourteenth-century France". [59]

Les Hunt of the Unicorn room can be entered from the hall containing the Nine Heroes via an early 16th-century door carved with representations of unicorns. [60] The unicorn tapestries consist of a series of large, colourful hangings and fragment textiles [61] designed in Paris [58] and woven in Brussels or Liège. Noted for their vivid colourization—dominated by blue, yellow-brown, red, and gold hues—and the abundance of a wide variety of flora, [62] they were produced for Anne of Brittany and completed c. 1495–1505. [63] The tapestries were purchased by Rockefeller in 1922 for about one million dollars, and donated to the museum in 1937. [64] They were cleaned and restored in 1998, and are now hung in a dedicated room on the museum's upper floor. [65]

The large "Nativity" panel (also known as "Christ is Born as Man's Redeemer") from c. 1500, South Netherlandish (probably in Brussels), Burgos Tapestry was acquired by the museum in 1938. It was originally one of a series of eight tapestries representing the salvation of man, [66] with individual scenes influenced by identifiable panel paintings, including by van der Weyden. [67] It was badly damaged in earlier centuries: it had been cut into several irregular pieces and undergone several poor-quality restorations. The panel underwent a long process of restoration from 1971, undertaken by Tina Kane and Alice Blohm of the Metropolitan's Department of Textile Conservation. It is today hung in the Late Gothic hall. [68]

Stained glass Edit

The Cloisters' collection of stained glass consists of around three hundred panels, generally French and Germanic and mostly from the 13th to early 16th centuries. [70] A number were formed from handmade opalescent glass. Works in the collection are characterized by vivid colors and often abstract designs and patterns many have a devotional image as a centerpiece. [71] The majority of these works are in the museum's Boppard room, named after the Carmelite church of Saint Severinus in Boppard, near Koblenz, Germany. [10] The collection's pot-metal works (from the High Gothic period) highlight the effects of light, [72] especially the transitions between darkness, shadow and illumination. [73] The Met's collection grew in the early 20th century when Raymond Picairn made acquisitions at a time when medieval glass was not highly regarded by connoisseurs, and was difficult to extract and transport. [74]

Jane Hayward, a curator at the museum from 1969 who began the museum's second phase of acquisition, describes stained glass as "unquestioningly the preeminent form of Gothic medieval monumental painting". [75] She bought c. 1500 heraldic windows from the Rhineland, now in the Campin room with the Mérode Altarpiece. Hayward's addition in 1980 led to a redesign of the room so that the installed pieces would echo the domestic setting of the altarpiece. She wrote that the Campin room is the only gallery in the Met "where domestic rather than religious art predominates. a conscious effort has been made to create a fifteenth-century domestic interior similar to the one shown in [Campin's] Annunciation panel." [76]

Other significant acquisitions include late 13th-century grisaille panels from the Château-de-Bouvreuil in Rouen, glass work from the Cathedral of Saint-Gervais-et-Saint-Protais at Sées, [76] and panels from the Acezat collection, now in the Heroes Tapestry Hall. [77]

The building is set into a steep hill, and thus the rooms and halls are divided between an upper entrance and a ground-floor level. The enclosing exterior building is mostly modern, and is influenced by and contains elements from the 13th-century church at Saint-Geraud at Monsempron, France, from which the northeast end of the building borrows especially. It was mostly designed by the architect Charles Collens, who took influence from works in Barnard's collection. Rockefeller closely managed both the building's design and construction, which sometimes frustrated the architects and builders. [78]

The building contains architecture elements and settings taken mostly from four French abbeys, which between 1934 and 1939 were transported, reconstructed, and integrated with new buildings in a project overseen by Collins. He told Rockefeller that the new building "should present a well-studied outline done in the very simplest form of stonework growing naturally out of the rocky hill-top. After looking through the books in the Boston Athenaeum . we found a building at Monsempron in Southern France of a type which would lend itself in a very satisfactory manner to such a treatment." [78]

The architects sought to both memorialize the north hill's role in the American Revolution and to provide a sweeping view over the Hudson River. Construction of the exterior began in 1935. The stonework, primarily of limestone and granite from several European sources, [79] includes four Gothic windows from the refectory at Sens and nine arcades. [80] The dome of the Fuentidueña Chapel was especially difficult to fit into the planned area. [81] The east elevation, mostly of limestone, contains nine arcades from the Benedictine priory at Froville and four flamboyant French Gothic windows from the Dominican monastery at Sens. [80]

Cloisters Edit

Cuxa Edit

Located on the south side of the building's main level, the Cuxa cloisters are the museum's centerpiece both structurally and thematically. [72] They were originally erected at the Benedictine Abbey of Sant Miquel de Cuixà on Mount Canigou, in the northeast French Pyrenees, which was founded in 878. [82] The monastery was abandoned in 1791 and fell into disrepair its roof collapsed in 1835 and its bell tower fell in 1839. [83] About half of its stonework was moved to New York between 1906 and 1907. [82] [84] The installation became one of the first major undertakings by the Metropolitan after it acquired Barnard's collection. After intensive work over the fall and winter of 1925–26, the Cuxa cloisters were opened to the public on April 1, 1926. [85] [5]

The quadrangle-shaped garden once formed a center around which monks slept in cells. The original garden seemed to have been lined by walkways around adjoining arches lined with capitals enclosing the garth. [86] It is impossible now to represent solely medieval species and arrangements those in the Cuxa garden are approximations by botanists specializing in medieval history. [86] The oldest plan of the original building describes lilies and roses. [86] Although the walls are modern, the capitals and columns are original and cut from pink Languedoc marble from the Pyrenees. [85] The intersection of the two walkways contains an eight-sided fountain. [87]

The capitals were carved at different points in the abbey's history and thus contain a variety of forms and abstract geometric patterns, including scrolling leaves, pine cones, sacred figures such as Christ, the Apostles, angels, and monstrous creatures including two-headed animals, lions restrained by apes, mythic hybrids, a mermaid and inhuman mouths consuming human torsos. [88] [89] The motifs are derived from popular fables, [82] or represent the brute forces of nature or evil, [90] or are based on late 11th- and 12th-century monastic writings, such as those by Bernard of Clairvaux (1090–1153). [91] The order in which the capitals were originally placed is unknown, making their interpretation especially difficult, although a sequential and continuous narrative was probably not intended. [92] According to art historian Thomas Dale, to the monks, the "human figures, beasts, and monsters" may have represented the "tension between the world and the cloister, the struggle to repress the natural inclinations of the body". [93]

Saint-Guilhem Edit

The Saint-Guilhem cloisters were taken from the site of the Benedictine monastery of Saint-Guilhem-le-Désert, and date from 804 AD to the 1660s. [94] Their acquisition around 1906 was one of Barnard's early purchases. The transfer to New York involved the movement of around 140 pieces, including capitals, columns and pilasters. [9] The carvings on the marble piers and column shafts recall Roman sculpture and are coiled by extravagant foliage, including vines. [95] The capitals contain acanthus leaves and grotesque heads peering out, [96] including figures at the Presentation at the Temple, Daniel in the Lions' Den [97] and the Mouth of Hell, [98] and several pilasters and columns. [94] The carvings seem preoccupied with the evils of hell. Those beside the mouth of hell contain representations of the devil and tormenting beasts, with, according to Young, "animal-like body parts and cloven hoofs [as they] herd naked sinners in chains to be thrown into an upturned monster's mouth". [99]

The Guilhem cloisters are inside the museum's upper level and are much smaller than originally built. [100] Its garden contains a central fountain [101] and plants potted in ornate containers, including a 15th-century glazed earthenware vase. The area is covered by a skylight and plate glass panels that conserve heat in the winter months. Rockefeller had initially wanted a high roof and clerestory windows, but was convinced by Joseph Breck, curator of decorative arts at the Metropolitan, to install a skylight. Breck wrote to Rockefeller that "by substituting a skylight for a solid ceiling . the sculpture is properly illuminated, since the light falls in a natural way the visitor has the sense of being in the open and his attention, consequently, is not attracted to the modern superstructure." [102]

Bonnefont Edit

The Bonnefont cloisters were assembled from several French monasteries, but mostly come from a late 12th-century Cistercian Abbaye de Bonnefont [fr] at Bonnefont-en-Comminges, southwest of Toulouse. [103] The abbey was intact until at least 1807, and by the 1850s all of its architectural features had been removed from the site, often for decoration of nearby buildings. [104] Barnard purchased the stonework in 1937. [105] Today the Bonnefont cloisters contain 21 double capitals, and surround a garden that contains many features typical of the medieval period, including a central wellhead, raised flower beds and lined with wattle fences. [106] The marbles are highly ornate and decorated, some with grotesque figures. [107] The inner garden has been set with a medlar tree of the type found in The Hunt of the Unicorn tapestries, and is centered around a wellhead placed at Bonnefont-en-Comminges in the 12th century. [108] The Bonnefont is on the upper level of the museum and gives a view of the Hudson River and the cliffs of the Palisades. [dix]

Trie Edit

The Trie cloisters was compiled from two late 15th- to early 16th-century French structures. [110] Most of its components came from the Carmelite convent at Trie-sur-Baïse in south-western France, whose original abbey, except for the church, was destroyed by Huguenots in 1571. [111] Small narrow buttresses were added in New York during the 1950s by Breck. [81] The rectangular garden hosts around 80 species of plants and contains a tall limestone cascade fountain at its center. [112] Like those from Saint-Guilhem, the Trie cloisters have been given modern roofing. [113]

The convent at Trie-sur-Baïse featured some 80 white marble capitals [114] carved between 1484 and 1490. [110] Eighteen were moved to New York and contain numerous biblical scenes and incidents form the lives of saints. Several of the carvings are secular, including those of legendary figures such as Saint George and the Dragon, [114] the "wild man" confronting a grotesque monster, and a grotesque head wearing an unusual and fanciful hat. [114] The capitals are placed in chronological order, beginning with God in the act of creation at the northwest corner, Adam and Eve in the west gallery, followed by the Binding of Isaac, and Matthew and John writing their gospels. Capitals in the south gallery illustrate scenes from the life of Christ. [115]

Jardins Modifier

The Cloisters' three gardens, the Judy Black Garden at the Cuxa Cloister on the main level, and the Bonnefont and Trie Cloisters gardens on the lower level, [116] were laid out and planted in 1938. They contain a variety of rare medieval species, [117] with a total of over 250 genera of plants, flowers, herbs and trees, making it one of the world's most important collections of specialized gardens. The garden's design was overseen by Rorimer during the museum's construction. He was aided by Margaret Freeman, who conducted extensive research into the keeping of plants and their symbolism in the Middle Ages. [118] Today the gardens are tended by a staff of horticulturalists the senior members are also historians of 13th- and 14th-century gardening techniques. [119]

Gothic chapel Edit

The Gothic chapel is set on the museum's ground level, and was built to display its stained glass and large sculpture collections. The entrance from the upper level Early Gothic Hall is lit by stained glass double-lancet windows, carved on both sides, and acquired from the church of La Tricherie, France. [120] The ground level is entered through a large door at its east wall. This entrance begins with a pointed Gothic arch leading to high bayed ceilings, ribbed vaults and buttress. [121] The three center windows are from the church of Sankt Leonhard, in southern Austria, from c. 1340. The glass panels include a depiction of Martin of Tours as well as complex medallion patterns. [121] The glass on the east wall comes from Evron Abbey, Normandy, and dates from around 1325. [122] The apse contains three large sculptures by the main windows two larger than life-size female saints dating from the 14th century, and a Burgundian Bishop dating from the 13th. [123] The large limestone sculpture of Saint Margaret on the wall by the stairs dates to around 1330 and is from the church of Santa Maria de Farfanya [ca] in Lleida, Catalonia. [121] Each of the six effigies are supreme examples of sepulchral art. [124] Three are from the Bellpuig Monastery [ca] in Catalonia. [124] The monument directly facing the main windows is the c. 1248–67 sarcophagus of Jean d'Alluye, a knight of the crusades, who was thought to have returned from the Holy Land with a relic of the True Cross. He is shown as a young man, his eyes open, and dressed in chain armor, with his longsword and shield. [123] The female effigy of a lady, found in Normandy, dates to the mid 13th century and is perhaps of Margaret of Gloucester. [125] Although resting on a modern base, [126] she is dressed in high contemporary aristocratic fashion, including a mantle, cotte, jewel-studded belt and an elaborate ring necklace brooch. [127]

Four of the effigies were made for the Urgell family, are set into the chapel walls, and are associated with the church of Santa Maria at Castello de Farfanya, redesigned in the Gothic style for Ermengol X (died c. 1314). [124] The elaborate sarcophagus of Ermengol VII, Count of Urgell (d. 1184) is placed on the left hand wall facing the chapel's south windows. It is supported by three stone lions, and a grouping of mourners carved into the slab, which also shows Christ in Majesty flanked by the Twelve Apostles. [128] The three other Urgell tombs also date to the mid 13th century, and maybe of Àlvar of Urgell and his second wife, Cecilia of Foix, the parents of Ermengol X, and that of a young boy, possibly Ermengol IX, the only one of their direct line ancestors known to have died in youth. [125] The slabs of the double tomb on the wall opposite Ermengol VII, contain the effigies of his parents, and have been slanted forward to offer a clear view of the stonework. The heads are placed on cushions, which are decorated with arms. The male's feet rest on a dog, while the cushion under the woman's head is held by an angel. [129]

Fuentidueña chapel Edit

The Fuentidueña chapel is the museum's largest room, [130] and is entered through a broad oak door flanked by sculptures that include leaping animals. Its centerpiece is the Fuentidueña Apse, a semicircular Romanesque recess built between about 1175 to 1200 at the Saint Joan church at Fuentidueña, Segovia. [131] By the 19th century, the church was long abandoned and in disrepair.

It was acquired by Rockefeller for the Cloisters in 1931, following three decades of complex negotiation and diplomacy between the Spanish church and both countries' art-historical hierarchies and governments. It was eventually exchanged in a deal that involved the transfer of six frescoes from San Baudelio de Berlanga to the Prado, on an equally long-term loan. [33] The structure was disassembled into almost 3,300 mostly sandstone and limestone blocks, each individually cataloged, and shipped to New York in 839 crates. [132]

It was rebuilt at the Cloisters in the late 1940s [133] It was such a large and complex reconstruction that it required the demolition of the former "Special Exhibition Room". The chapel was opened to the public in 1961, seven years after its installation had begun. [134]

The apse consists of a broad arch leading to a barrel vault, and culminates with a half-dome. [135] The capitals at the entrance contain representations of the Adoration of the Magi and Daniel in the lions' den. [136] The piers show Martin of Tours on the left and the angel Gabriel announcing to The Virgin on the right. The chapel includes other, mostly contemporary, medieval artwork. They include, in the dome, a large fresco dating to between 1130–50, from the Spanish Church of Sant Joan de Tredòs. The fresco's colorization resembles a Byzantine mosaic and is dedicated to the ideal of Mary as the mother of God. [137] Hanging within the apse is a crucifix made between about 1150 to 1200 for the Convent of St. Clara [es] in Astudillo, Spain. [138] Its reverse contains a depiction of the Agnus Dei (Lamb of God), decorated with red and blue foliage at its frames. [139] The exterior wall holds three small, narrow and stilted windows, [136] which are nevertheless designed to let in the maximum amount of light. The windows were originally set within imposing fortress walls according to the art historian Bonnie Young "these small windows and the massive, fortress-like walls contribute to the feeling of austerity . typical of Romanesque churches." [135]

Langon chapel Edit

The Langon chapel is on the museum's ground level. Its right wall was built around 1126 for the Romanesque Cathédrale Notre-Dame-du-Bourg de Digne. [140] The chapter house consists of a single aisle nave and transepts [141] taken from a small Benedictine parish church built around 1115 at Notre Dame de Pontaut. [142] When acquired, it was in disrepair, its upper level in use as a storage place for tobacco. About three-quarters of its original stonework was moved to New York. [141]

The chapel is entered from the Romanesque hall through a doorway, a large, elaborate French Gothic stone entrance commissioned by the Burgundian court [10] for Moutiers-Saint-Jean Abbey in Burgundy, France. Moutiers-Saint-Jean was sacked, burned, and rebuilt several times. In 1567, the Huguenot army removed the heads from the two kings, and in 1797 the abbey was sold as rubble for rebuilding. The site lay in ruin for decades and lost further sculptural elements until Barnard arranged for the entrances' transfer to New York. The doorway had been the main portal of the abbey, and was probably built as the south transept door.

Carvings on the elaborate white oolitic limestone doorway depict the Coronation of the Virgin and contains foliated capitals and statuettes on the outer piers including two kings positioned in the embrasures and various kneeling angels. Carvings of angels are placed in the archivolts above the kings. [143] The large figurative sculptures on either side of the doorway represent the early Frankish kings Clovis I (d. 511) and his son Chlothar I (d. 561). [144] [145] The piers are lined with elaborate and highly detailed rows of statuettes, which are mostly set in niches, [146] and are badly damaged most have been decapitated. The heads on the right hand capital were for a time believed to represent Henry II of England. [147] Seven capitals survive from the original church, with carvings of human figures or heads, some of which as have been identified as historical persons, including Eleanor of Aquitaine. [141]

Romanesque hall Edit

The Romanesque hall contains three large church doorways, with the main visitor entrance adjoining the Guilhem Cloister. The monumental arched Burgundian doorway is from Moutier-Saint-Jean de Réôme in France and dates to c. 1150. [10] Two animals are carved into the keystones both rest on their hind legs as if about to attack each other. The capitals are lined with carvings of both real and imagined animals and birds, as well as leaves and other fauna. [148] The two earlier doorways are from Reugny, Allier, and Poitou in central France. [4] The hall contains four large early-13th-century stone sculptures representing the Adoration of the Magi, frescoes of a lion and a wyvern, each from the Monastery of San Pedro de Arlanza in north-central Spain. [10] On the left of the room are portraits of kings and angels, also from the monastery at Moutier-Saint-Jean. [148] The hall contains three pairs of columns positioned over an entrance with molded archivolts. They were taken from the Augustinian church at Reugny. [149] The Reugny site was badly damaged during the French Wars of Religion and again during the French Revolution. Most of the structures had been sold to a local man, Piere-Yon Verniere, by 1850, and were acquired by Barnard in 1906. [94]

Treasury room Edit

The Treasury room was opened in 1988 to celebrate the museum's 50th anniversary. It largely consists of small luxury objects acquired by the Met after it had built its initial collection, and draws heavily on acquisitions from the collection of Joseph Brummer. [150] The rooms contains the museum's collection of illuminated manuscripts, the French 13th-century arm-shaped silver reliquary, [151] and a 15th-century deck of playing cards. [152]

Library and archives Edit

The Cloisters contains one of the Metropolitan's 13 libraries. Focusing on medieval art and architecture, it holds over 15,000 volumes of books and journals, the museum's archive administration papers, curatorial papers, dealer records and the personal papers of Barnard, as well as early glass lantern slides of museum materials, manuscript facsimiles, scholarly records, maps and recordings of musical performances at the museum. [153] The library functions primarily as a resource for museum staff, but is available by appointment to researchers, art dealers, academics and students. [154] The archives contain early sketches and blueprints made during the early design phase of the museum's construction, as well as historical photographic collections. These include photographs of medieval objects from the collection of George Joseph Demotte, and a series taken during and just after World War II showing damage sustained to monuments and artifacts, including tomb effigies. They are, according to curator Lauren Jackson-Beck, of "prime importance to the art historian who is concerned with the identification of both the original work and later areas of reconstruction". [155] Two important series of prints are kept on microfilm: the "Index photographique de l'art en France" and the German "Marburg Picture Index". [155]

The Cloisters is governed by the board of the Metropolitan Museum of Art. The Metropolitan's collections are owned by a private corporation of about 950 fellows and benefactors. The board of trustees comprise 41 elected members, several officials of the City of New York, and persons honored as trustees by the museum. The current chairman of the board is the businessman and art collector Daniel Brodsky, who was elected in 2011, [156] having previously served on its Real Estate Council in 1984 as a trustee of the museum and Vice Chairman of the Buildings Committee. [157]

A specialist museum, the Cloisters regularly acquires new works and rarely sells or otherwise gets rid of them. While the Metropolitan does not publish separate figures for the Cloisters, the entity as a whole spent $39 million on acquisitions for the fiscal year ending in June 2012. [158] The Cloisters seeks to balance its collection between religious and secular artifacts and artworks. With secular pieces, it typically favors those that indicate the range of artistic production in the medieval period, and according to art historian Timothy Husband, "reflect the fabric of daily [medieval European] life but also endure as works of art in their own right". [159] In 2011 it purchased the then-recently discovered The Falcon's Bath, a Southern Netherlands tapestry dated c. 1400–1415. It is of exceptional quality, and one of the best preserved surviving examples of its type. [160] Other recent acquisitions of significance include the 2015 purchase of a Book of Hours attributed to Simon Bening. [47]

The museum's architectural settings, atmosphere, and acoustics have made it a regular setting both for musical recitals and as a stage for medieval theater. Notable stagings include The Miracle of Theophilus in 1942, and John Gassner's adaption of The Second Shepherds' Play in 1954. [161] Recent significant exhibitions include "Small Wonders: Gothic Boxwood Miniatures" which ran in the summer of 2017 in conjunction with the Art Gallery of Ontario and Rijksmuseum, Amsterdam. [162]


6) Role of SS Panzer Divisions

Allied Sherman tanks crossing the newly-captured bridge at Nijmegen in the Netherlands during their advance as part of Operation Market Garden.

Before Operation Market Garden even started, Allied intelligence got reports that two well-equipped German SS Panzer (tank) divisions were in the area around Arnhem. But commanders of the operation, including Lt. Gen. Frederick 𠇋oy” Browning, decided the operation should go ahead anyway𠅊 risk that turned into a disaster for Allied troops at Arnhem.

The slow advance of the XXX Corps gave Germany time to strengthen its defenses, confront the advancing ground troops at Nijmegen, and subject the lone British battalion at Arnhem to a crippling onslaught, which they resisted fiercely before submitting on the fifth day of the battle. With the main objective of the operation lost, more than 3,000 British troops dug in at Oosterbeek until September 25, when they were forced to begin evacuating across the Rhine.


History of the Qilin

The qilin first appeared in the historical record with the Zuo Zhuan, or "Chronicle of Zuo," which describes events in China from 722 to 468 BCE. According to these records, the first Chinese writing system was transcribed around 3000 BCE from the markings on a qilin's back. A qilin is supposed to have heralded the birth of Confucius, c. 552 BCE. The founder of Korea's Goguryeo Kingdom, King Dongmyeong (r. 37-19 BCE), rode a qilin like a horse, according to legend.

Much later, during the Ming Dynasty (1368-1644), we have solid historical evidence of at least two qilin showing up in China in 1413. Actually, they were giraffes from the coast of Somalia the great admiral Zheng He brought them back to Beijing after his fourth voyage (1413-14). The giraffes were immediately proclaimed to be qilin. The Yongle Emperor was naturally extremely pleased to have the symbol of wise leadership show up during his reign, courtesy of the Treasure Fleet.

Although traditional depictions of the qilin had a much shorter neck than any giraffe's, the association between the two animals remains strong to this day. In both Korea and Japan, the term for "giraffe" is kirin, or qilin.

Across East Asia, the qilin is one of the four noble animals, along with the dragon, the phoenix, and the tortoise. Individual qilin are said to live for 2000 years and can bring babies to deserving parents much in the manner of storks in Europe.


The Unicorn Rests in a Garden - History

The Unicorn in the Garden

by James Thurber
reprinted from
Fables For Our Time

Once upon a sunny morning a man who sat in a breakfast nook looked up from his scrambled eggs to see a white unicorn with a golden horn quietly cropping the roses in the garden. The man went up to the bedroom where his wife was still asleep and woke her. "There's a unicorn in the garden," he said. "Eating roses." She opened one unfriendly eye and looked at him.

"The unicorn is a mythical beast," she said, and turned her back on him. The man walked slowly downstairs and out into the garden. The unicorn was still there now he was browsing among the tulips. "Here, unicorn," said the man, and he pulled up a lily and gave it to him. The unicorn ate it gravely. With a high heart, because there was a unicorn in his garden, the man went upstairs and roused his wife again. "The unicorn," he said,"ate a lily." His wife sat up in bed and looked at him coldly. "You are a booby," she said, "and I am going to have you put in the booby-hatch."

The man, who had never liked the words "booby" and "booby-hatch," and who liked them even less on a shining morning when there was a unicorn in the garden, thought for a moment. "We'll see about that," he said. He walked over to the door. "He has a golden horn in the middle of his forehead," he told her. Then he went back to the garden to watch the unicorn but the unicorn had gone away. The man sat down among the roses and went to sleep.

As soon as the husband had gone out of the house, the wife got up and dressed as fast as she could. She was very excited and there was a gloat in her eye. She telephoned the police and she telephoned a psychiatrist she told them to hurry to her house and bring a strait-jacket. When the police and the psychiatrist arrived they sat down in chairs and looked at her, with great interest.

"My husband," she said, "saw a unicorn this morning." The police looked at the psychiatrist and the psychiatrist looked at the police. "He told me it ate a lilly," she said. The psychiatrist looked at the police and the police looked at the psychiatrist. "He told me it had a golden horn in the middle of its forehead," she said. At a solemn signal from the psychiatrist, the police leaped from their chairs and seized the wife. They had a hard time subduing her, for she put up a terrific struggle, but they finally subdued her. Just as they got her into the strait-jacket, the husband came back into the house.

"Did you tell your wife you saw a unicorn?" asked the police. "Of course not," said the husband. "The unicorn is a mythical beast." "That's all I wanted to know," said the psychiatrist. "Take her away. I'm sorry, sir, but your wife is as crazy as a jaybird."

So they took her away, cursing and screaming, and shut her up in an institution. The husband lived happily ever after.


Voir la vidéo: Les Roues de lAutobus + Licornes. 1h 30min de comptines pour enfants. Titounis


Commentaires:

  1. Fenrizshura

    What is it to you to a head has come?

  2. Bell

    C'est juste ridicule.

  3. Rendor

    tout peut être =)))))))

  4. Nagis

    Bon travail!



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